Ramón "Mongo" Santamaría Rodríguez, una de las principales figuras del jazz latino, fue un percusionista cubano (especialista en congas y bongos), arreglista y director de orquesta.  

Nació en La Habana el 7 de abril de 1917. Fue su abuelo, nacido en el Congo, quien siempre le llamó Mongo, que en lengua Senegalés significa: “Jefe de la Tribu”. Introducido desde pequeño en el mundo de los ritmos africanos y cubanos, y en el mundo de la santería a través del cual aprendió a tocar los cueros. Comenzó tocando el violín, estimulado por su madre, pero ya en el colegio se decantó en seguida por el arte de la percusión. A los 17 años tocaba por las noches compaginándolo con su trabajo de cartero, y así conoció a Chano Pozo, con quien trabajo en varios espectáculos en La Habana.

Después de ser uno de las principales atracciones del prestigioso Club Tropicana de la Habana, y lograr un gran prestigio en Cuba,  viajó a la ciudad de México alrededor de los años 40 con el grupo de baile de Lilón y Pablito. Luego, junto con Armando Peraza viajaron a New York y actuaron en varios lugares, sin embargo, ocurre un lamentable incidente, en un arranque de celos Pablito mata de un tiro a Lilón y luego se suicida, la compañía de baile se desbanda. Ronda el año 1949 y la situación se les complicó, dado a que no se les permitía trabajar, porque sus visas eran de artistas de show y no de músicos, y tienen que regresar a Cuba para arreglar su pasaporte.

Por fin, el día 23 de octubre de 1950 llega a Nueva York en calidad de residente permanente. Trabajó después con diversas orquestas, entre ellas la de Pérez Prado, aunque un accidente y una larga estancia en el hospital, le llevan al mundo de la droga. Mongo quedó herido de la cadera y en una pierna y Pérez Prado le abandona y no le pagó los honorarios; la cosa se le complicó a Mongo ya que no dominaba el inglés y en el hospital donde lo atendieron, el doctor, por problemas raciales, quería amputarle la pierna accidentada. Gracias al cantante Paquito Sosa, que aclaró que Mongo era cubano y no negro, desistió de la amputación, le pusieron algunos tornillos y le arreglaron la parte afectada de la cadera.

Ya recuperado se integra a la banda del maestro Tito Puente y jamás volvió a tocar con Pérez Prado. Invirtió cerca de seis años tocando con Tito, entre los años de 1951 a 1957. Tras dejar a Puente, trabaja con Willie Bobo y Cal Tjader, en California, donde descubre y adopta la bossa nova, de la mano de Elis Regina.

A partir de 1961, comienza a liderar sus propios grupos. Con la fiebre charanguera de New York crea su propia charanga, La Sabrosa, que pronto comienza a evolucionar, de manera natural hacía el jazz. Su gran éxito fue el disco Watermelon Man, éxito que jamás consiguió repetir. No obstante, se dedicó a “latinizar” temas populares del momento en ritmos Rock, Soul, Funky los cuales desembocan en el famoso ritmo del boogaloo para mediados de los años 60. Durante estos años incorpora a su orquesta a músicos como La Lupe, Joao Donato, Armando Corea o Luis Perico Ortiz.

En los años 70 participa como invitado especial en varios conciertos de La Fania All Stars. Pero poco a poco va desapareciendo del panorama latino para dedicarse más al Jazz, aunque en los últimos años de vida casi no tocaba por enfermedad. Murió en Miami el 1 de febrero del 2003.

Al maestro Mongo Santamaría se le conoció como el conguero más influyente en el desarrollo que ha tenido el Jazz Latino en los Estados Unidos. El sonido del tambor de Mongo abarcó desde el típico sonido cubano del son tradicional, hasta una variedad de ritmos como el Boogaloo, Guajiras, Rock, Soul, Pop, Salsa, Música Religiosa de la Tradición Afrocubana, Pachangas, Charangas, fusiones de Panchangas Twist, entre otros. Son relativamente pocos los congueros con un sonido tan individual que uno podría distinguirlos entre la multitud. Le daba mayor importancia al timbre más oscuro de sus congas, y se quedaba un poco atrás del beat para crear un notable swing en su estilo de percusión afrocubana, dejó una marca indeleble en el jazz y su obra influyó tanto en sus contemporáneos como en músicos e intérpretes más jóvenes: Ray Barretto, Giovanni Hidalgo, Poncho Sánchez, Patato Valdés, etc.

Lupe Victoria Yolí Raymond, conocida como La Lupe o la Yiyiyi, fue una cantante cubana nacida el 23 de diciembre de 1939 en Santiago de Cuba. Era santera.

Se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos locales de la Habana, una vez terminada, por exigencia paterna, su carrera de magisterio. De niña gran admiradora de la cantante española Lola Flores y su compatriota Celia Cruz. En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio "Yoyo" Reyes, el Trío Tropicuba, que comenzó a presentarse de forma permanente en un legendario bar de La Habana, llamado La Red. Su forma de cantar, llena de energía y con un cierto toque estrafalario, la hizo famosa casi inmediatamente en la ciudad y al tiempo hizo que la expulsaran del grupo por salirse de la disciplina y cantar a su manera.

Esta misma forma de cantar fue la que la hizo exiliarse de Cuba, pues no era bien vista por el nuevo régimen fidelista que se había implantado en el país. Viajó a México y, a los pocos meses, a Nueva York, donde empezó a cantar en un bar de Midtown: La Barraca. Allí fue "descubierta" por el percusionista Mongo Santamaría, con el que grabó el disco Mongo Introduces La Lupe (1963). Después grabó cuatro discos con Tito Puente, de la mano de Tico Records, con el que consiguió su máximo esplendor artístico, y permitió al mismo tiempo que “El Rey del Timbal” superara la crisis económica por la que pasaron las orquestas latinas de los años 60, después del cierre de “Palladium”.

Coronada a finales de los 60 como la “Reina del Latin Soul”, se considera una de las artistas más destacada de esa década, por delante de Celia Cruz.  El éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años 50, en la ciudad de los rascacielos. Ese canto arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en La Lupe su mejor exponente femenino. Su voz paseó por los mejores escenarios de  Nueva York, siendo la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden. Considerada “la reina del desamor”, sus canciones se venden como antídotos para sanar heridas en corazones despechados. Poseía una magia particular que hacía cambiar las penas por celebraciones de desamor, utilizando la herramienta de sus gritos y gemidos, que hacían una particular interpretación dramática, incluso con acciones violentas en las que se desgarraba los vestuarios y lanzaba sus zapatos al aire. Ella misma afirmaba: “le gusto a la gente porque hago lo que ellos quisieran hacer y no se atreven”

Sin embargo, su declive comenzó cuando en 1968 la despide Tito Puente. Era la época de “las estrellas de La Fania” y la Lupe, debido a su mala fama por sus excentricidades y su individualismo, no formó parte del nuevo panorama salsero. En 1974 Tico Records fue adquirido por Fania Records y sus directivos le impusieron un veto musical para impulsar la carrera artística de Celia Cruz, que si pertenecía a La Fania All Stars. En 1978 la Yiyiyi intentó sin éxito finalizar su contrato con Fania, para poder así buscar acomodo en otra casa discográfica. Sólo consiguó grabar un disco, La Pareja, en un intento de reencuentro con Tito puente, que pretendía ayudarla, pero debido a la nula publicidad que recibió, el esperado retorno de la cantante fue sólo una ilusión.

Su vida personal y sentimental también influyó en su declive económico. La estrella que acumuló lujos y fortuna en los años 60, terminó hundida en la pobreza y la miseria. Su vida desordenada y revuelta no le llevó a aprovechar su fama y fortuna, su segundo esposo, Willie García, empezó a desarrollar un cuadro esquizofrénico que la obligó a gastar ingentes sumas de dinero en tratamientos médicos. Pobre, con su mansión hipotecada, se mudó a Puerto Rico durante unos meses mientras esperaba recibir algún contrato para cantar en los escenarios. El viaje a Puerto Rico le trajo problemas con varias cadenas televisivas, su desinhibido estilo de bailar e interpretar algunas canciones fueron más allá de lo permitido así que optó por regresar a Nueva York.

A finales de los 80 se convirtió a la religión evangelista y compuso e interpretó canciones que fueron recopiladas en unos cassettes que es probable que sean editados algún día bajo el título de La Samaritana. No obstante, su salero y particular forma interpretativa siempre tuvieron la facultad de imprimirle su impronta popular y cabaretera. Fue capaz de emparejar a un aleluya, gloria a Dios el gemido más sensual posible en la noche tropical.

Con su casa quemada, al término de sus días  mendigó por las calles y murió pobre y olvidada el 29 de febrero de 1992, tras sufrír un paro cardiaco fulminante. Su trayectoria, prácticamente olvidada por una generación adormecida por la mal llamada "salsa romántica", fue rescatada por la comunidad homosexual hispana y la inclusión de varios temas suyos en películas de renombre.

Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso de la Santísima Trinidad, más conocida como Celia Cruz “la reina de la salsa”, nació el 21 de octubre de 1924 en La Habana (Cuba), aunque existen dudas a cerca del año real de su nacimiento, dada su negativa constante a confesar su edad.

Durante su infacia, compartida con 3 hermanos y 11 primos, sus quehaceres incluían cantarles canciones de cuna, con lo que su madre se dio cuenta de su maravillosa voz, heredada de ella misma. Con 11 años sorprendía a los turistas con su fabulosa interpretación. Uno de ellos le compró un par de zapatos y pronto calzó a todos los niños de la casa. Le gustaba observar a las orquestas y los bailes, pero su padre se oponía rotundamente a su carrera musical. Comenzó la carrera de magisterio para intentar satisfacer a éste, pero antes de terminarla ingresó en el Conservatorio Nacional de Música, apoyada por su madre.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La corte suprema del arte, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgia recibió en pago 15 dólares en Radio García Serra. Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México.

En 1950 comenzó como solista oficial en La Sonora Matancera, junto a la que, a lo largo de los años 50, se convirtieron en un éxito en Cuba. En 1957 recogió su primer disco de oro en Nueva York. Desde 1959, ante el triunfo de Fidel Castro frente a la dictadura de Batista, la orquesta tuvo que seguir otros caminos, y la cantante soportaba mal que le dijeran donde y qué tenía que cantar. En 1960, la orquesta consiguó permiso para actuar en México, y una vez allí, debido al agravamiento de las relaciones entre EEUU y Cuba, decidieron no regresar. En este primer momento Celia aclaró: “he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista”. Su conocida militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro.

Después de un año en México se mudaron a Nueva York, sellando su primer compromiso con Palladium. En 1962 se casó con Pedro Knight, primer trompetista de la orquesta, con quien a partir de 1965 inició su carrera en solitario convirtiéndose éste en su representante.

En su carrera como solista grabó 8 álbunes junto a Tito Puente, y colaboró también con otros artistas como Tito Rodriguez, Larry Harlow, o Johnny Pacheco. Formó parte de La Fania All Stars, con la que viajó por America, Europa y Africa. Desde entonces, el éxito fue una constante en centenares de conciertos. Esa voz electrizante, su alegría contagiosa, sus estridentes pelucas y el llamativo vestuario fueron pronto una bandera de identidad de los inmigrantes. Se ganó los apodos y títulos de la Reina Rumba, la Guarachera de Oriente y la Guarachera de Cuba.

Celia quiso dejar su impronta también en el cine, y participó como actriz -ya lo había hecho varias veces como cantante- en Los reyes del mambo (1992) y Cuando salí de Cuba (1995), porque ambas películas reflejaban historias de los primeros exiliados cubanos, en parte cercanas a la suya. “¡Azúcar!” era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Cantante de guarachas, danzones, sones y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.

Celia Cruz conservó hasta casi el último momento una vitalidad insólita. Feliz con su flamante Grammy al mejor álbum de salsa por La negra tiene tumbao, en el verano de 2002 celebró su 40º aniversario de matrimonio con una fiesta que le organizó la cantante Lolita Flores en Madrid.

En noviembre, durante un concierto en el Hipódromo de las Américas de México, D. F., empezó a perder el control del habla. Al regresar a Estados Unidos se sometió a la extirpación de un tumor cerebral, pero al final no hubo remedio. Aun así, el 13 de marzo apareció por última vez en público cuando la comunidad latina le tributó un homenaje en el teatro Jackie Gleason de Miami, que ella rogó que no fuera como una despedida. Se sentía optimista y con fuerzas. Por esos días, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegó a ver editado, Te entrego el alma.

Miles de compatriotas desfilaron ante sus restos después de que falleciese el 16 de julio de 2003, a los setenta y ocho años de edad, en Miami y Nueva York, donde recibió sepultura. También los cubanos de la isla, pese a la prohibición oficial de su música después de más de cuarenta años, reconocían su valor de guarachera universal, la más grande embajadora musical de Cuba. Pocos días después de su fallecimiento fue homenajeada por sus compañeros de profesión en la gala de entrega de los Grammy latinos.

Bobby Matos  es un percusionista de jazz latino, compositor, arreguista y director de orquesta.

Nació el 24 de julio de 1941 en el Bronx, Nueva York, de madre boricua y vive hace varias décadas en Los Ángeles. Durante su infancia comenzó a tocar música golpeando ollas y cacerolas en el apartamento de su abuela. En su juventud, estudió con maestros de la conga como Patato Valdez y Mongo Santamaría. Durante algunas actuaciones que tuvo por Nueva York, se animó a tocar los timbales con Willie Bobo y Tito Puente y a finales de los 60 asistió a la New School y la Manhattan School of Music. Durante todo este tiempo, grabó "Mi Alma Latina"para Phillips International Records, que se convirtió en un clásico de culto, logrando ya una reconocida reputación como director de orquesta.

Matos ha hecho giras y ha grabado con artistas como Ben Vereen, Bette Midler, Neil Fred, Jim Croce, Joe Loco, Ray Rivera, Miriam Makeba, y muchos otros. Tiene una extensa discografía y 5 álbumes aclamados por la crítica y editados por Ubiquity Records. Su último disco es una obra de un jazz vital, llamado "Gratitud".

Bobby Matos, ha preservado y reproducido durante años el sabor y la intensidad sonora de la música afrocaribeña en la Costa Oeste de Estados Unidos.

En el video podemos ver a Bobby Matos a los timbales acompañado del maestro Larry Harlow al piano. Las imagines no son de calidad pero merece la pena verlos y escuchar a estos artistas.